Ciertos álbumes siempre te llevarán a un tiempo y lugar.
En mi caso, Play de Moby, me transporta instantáneamente a 1999 trabajando en una financiera, tratando de que las horas atendiendo clientes pasaran lo más rápido posible, con un compañero que escuchaba lo que yo ponía para escuchar.
Al igual que yo, este compañero era un fanático de la música, por lo que disfrutábamos en estas horas de trabajo los más diversos géneros.
Para estas largas jornadas con horas extras incluidas, Play parecía hecho a medida.
Con su perspectiva cinematográfica y su perfecta combinación de soul, blues y gospel con electrónica, Play era urgente y vibrante.
Su uso innovador del sampleo y su profundidad emocional se sintieron como si se abriera un nuevo mundo y, a medida que la popularidad del álbum crecía, creó un cambio sísmico en el panorama de la música electrónica y su potencial hacia un mercado más amplio.
También generó un sano debate sobre dónde está la línea entre sampleo/interpolación y apropiación cultural, ya que rápidamente se convirtió en un monstruo omnipresente y cada canción finalmente obtuvo licencia para anuncios, películas y programas de televisión.
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El hecho de que Play estuviera en todas partes, desde cafés modernos hasta clubes nocturnos llenos (y todos los espacios intermedios) es un testimonio no sólo del atractivo universal de las creaciones de Moby, sino también de la amplitud de estados de ánimo y emociones que capturó en una extensa película de una hora de viaje.
No había forma de escapar.
Dondequiera que miraras, alguien, en algún lugar, lo estaba reproduciendo a todo volumen desde sus parlantes.
En librerías, cafeterías, restaurantes, fiestas en casas, discotecas.
Fue absolutamente omnipresente.
Desde el primer tema, “Honey”, con su evocador sample de “Sometimes” de Bessie Jones contra un piano urgente y pulsante y ritmos propulsores, el tono está establecido. La energía contagiosa de la pista y la fusión de ritmos impulsados y voces conmovedoras te llevan a un nuevo mundo sonoro.
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La producción de Play es una clase magistral en el arte del sampleo.
La capacidad de Moby para sintonizar y combinar sonidos dispares en un todo cohesivo es evidente a lo largo del álbum.
En temas como “Find My Baby” y “Natural Blues”, Moby se basa en inquietantes grabaciones de campo con Boy Blue y Vera Hall respectivamente, y las combina con ritmos relajados, exuberantes sintetizadores y guitarras para lograr un efecto hipnótico. “Natural Blues”, en particular, se destaca con la inquietante línea vocal de Hall de “Trouble So Hard” contrastada con ritmos sólidos y sonidos melancólicos, creando un paisaje sonoro conmovedor y evocador que llega justo al corazón.
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Este sentido de introspección y reflexión continúa en temas como el lamento “¿Why Does My Heart Feel So Bad?”, un lamento infundido de evangelio que profundiza en los temas de la disculpa y la redención en un arreglo simple pero muy expresivo.
Es la capacidad de Moby para crear estos paisajes sonoros escasos pero fascinantes lo que impregna todo Play.
Varias pistas instrumentales actúan como meditaciones ambientales que generan una variedad de emociones en el oyente, mientras Moby crea mantras sonoros de melodía.
Temas como “Everloving”, “Rushing”, “Down Slow” y “My Weakness” inundan al oyente y lo llevan más profundamente a los sonidos que lo calman y chocan a su alrededor.
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Pero no todo es chillout en el álbum, ya que Moby mezcla ritmos relajados con temas más publicitados como “Bodyrock” que se desata con energía eufórica o “South Side” que entrelaza rock y electrónica a la perfección.
También hay temas como “Machete” que recuerdan los éxitos inspirados en el trance de Moby, como “Go”, con un sonido más oscuro y agresivo, con matices industriales que reflejan sus raíces en la escena rave underground.
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Desde aquel entonces, “Porcelain” se ha elevado a sí mismo como quizás el tema más icónico de Play con su delicado riff de piano y su voz etérea.
Con un arreglo minimalista, la pista te lleva a través de la sensación de anhelo y melancolía que contiene, mientras los amplios acordes de sintetizador se sienten como destellos de ilustraciones de recuerdos del pasado.
Por otro lado, “Run On” quizás resume mejor la infinidad de tonos y texturas que Moby está fusionando.
Al reinventar la canción gospel tradicional “God’s Gonna Cut You Down” y remodelarla como una pista de baile, Moby logra mantener la urgencia inherente de la canción al tiempo que agrega giros musicales más modernos.
Es esta capacidad de fusionar sonidos profundamente arraigados en la historia con sonidos sorprendentemente contemporáneos lo que hace que Play sea una escucha tan convincente y gratificante.
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Si bien algunos de los trabajos anteriores de Moby habían obtenido éxito comercial y de crítica dentro de la escena de la música electrónica de baile, Play fue tanto un éxito de crítica como un fenómeno comercial.
Inicialmente lanzado con ventas mediocres, encabezó numerosas listas de álbumes meses después de su lanzamiento y fue certificado platino en más de 20 países.
El álbum presentó a Moby a una audiencia mundial, no sólo a través de una gran cantidad de singles exitosos que ayudaron al álbum a dominar las listas mundiales durante dos años, sino también a través de licencias sin precedentes de sus canciones en películas, programas de televisión y publicidades.
Play finalmente se convirtió en el álbum de electrónica más vendido de todos los tiempos, con más de 12 millones de copias en todo el mundo, y se convirtió en el álbum revolucionario de Moby.
Por otro lado, con Play, Moby logra tejer un rico tapiz de sonidos que rinde homenaje al pasado mientras abre un camino hacia el futuro. Play, es una síntesis de sonidos, estilos y géneros que logra mantenerse fresco y atemporal.
Es al mismo tiempo un recordatorio nostálgico de una era transformadora de la música a medida que pasaba un siglo y comenzaba otro, así como un viaje atemporal a través de paisajes sonoros que son tan frescos, relevantes y transformadores hoy como lo eran hace veinticinco años.
Esto fue Play, de Moby, en Punto Muerto.
