Cuando mirás hacia atrás en la obra de The Police, no podés evitar preguntarte si sabían que el último álbum que grabaron sería realmente el último. Aunque Sting ha insinuado que durante la grabación de “Synchronicity” (y la gira posterior) sabía que era el final de The Police, es difícil decir qué tan consciente estaba de esto durante la grabación real.
Independientemente de si el colectivo del bajista, cantante y compositor principal Sting, el guitarrista Andy Summers y el baterista Stewart Copeland sabían o no que “Synchronicity” sería el álbum que los haría renunciar, definitivamente tiene la sensación de una banda que intenta poner fin a una era con un signo de exclamación en lugar de un trabajo agotado.
Con tres músicos de carácter fuerte confinados en un estudio durante semanas, se pueden esperar algunos problemas.
Según todos los informes, la grabación de “Synchronicity” fue como improvisar tres trabajos en solitario en lugar de grabar a un trío, dado que cada músico tenía su propio espacio de grabación en los AIR Studios de George Martin, y la socialización se mantuvo al mínimo.
Incluso las subsiguientes sobregrabaciones del álbum se hicieron en sesiones en solitario para que los miembros de la banda no se cruzaran.
A pesar de todos los choques de personalidad y las rabietas autoritarias que tuvieron lugar durante la grabación del álbum, el tumultuoso trío logró entregar su álbum más enfocado y concentrado.
Comenzando con la soberbia “Synchronicity I”, no solo se nos presenta la idea de la coincidencia y la interconectividad (en un fuerte guiño al psicólogo suizo Carl Jung), sino que también nos presenta un nuevo estilo sonoro para The Police.
Abriendo con una secuencia de sintetizador hipnótica, con un Copeland en toda su excelencia golpeando la batería, la canción está repleta de energía, voces en varias capas y la atmósfera característica de Summers.
Confiando menos en la influencia del reggae que había impregnado la mayoría de los trabajos anteriores del grupo, "Synchronicity I" es una bestia pesada y rockera.
Le sigue "Walking In Your Footsteps", que habla de la humanidad caminando ciegamente por el camino de la extinción, con un ritmo de percusión inspirado en la mal llamada “world music”.
Escasa en la instrumentación general, la canción crea su atmósfera brumosa de selva tropical a través de una línea de bajo repetitiva, una variedad de guitarras alimentadas a través de una gran cantidad de pedales de efectos y bucles de percusión muy atractivos, siendo una de las piezas más evocadoras que la banda haya grabado.
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Lo siguiente es un trío de canciones que permiten a cada miembro tomar su turno como compositor.
"O My God" de Sting tiene una mirada retrospectiva al sonido del álbum anterior “Ghost in the Machine”, con el bajista incluso tomando prestadas algunas líneas del hit de ese disco "Every Little Thing She Does Is Magic".
"Mother" de Summers es una especie de confesión de sueños, por no decir una sesión terapéutica, de una fiebre paranoica de los problemas con una madre, sobre una instrumentación de música del Medio Oriente.
Por último, “Miss Gradenko”, la orwelliana canción de Copeland, se basa en su característico estilo de percusión y contiene uno de los estribillos más pegadizos del álbum.
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Cerrando el lado A del disco, tenemos la reflexión sobre el estrés que induce la vida moderna que parece atrapada en un bucle.
Con la narración sobre el costo mental que la vida moderna le está cobrando al protagonista, "Synchronicity II" también evoca a un monstruo en ascenso (del tipo del lago Ness) que se abre paso en el pueblo.
Esto bien podría verse como un monstruo literal o figurativo que alude a la presión y la tensión que nuestro antihéroe ha estado sufriendo.
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Si el lado A puede verse como el lado experimental del álbum, el lado B es definitivamente la máquina enfocada de hacer éxitos, comenzando con el pop sublime y perfectamente elaborado de "Every Breath You Take".
Quizás debido a la hermosa melodía de guitarra y al sencillo ritmo de fondo, muchos ven a “Every Breath You Take” como una de las canciones más románticas de una generación.
Sin embargo, si se profundiza en el contenido lírico, es una canción oscura y amenazante de un acosador obsesivo.
Si bien Sting ha tratado de remodelar la canción como un comentario sobre la era del Gran Hermano de Regan, todavía no puede quitar esa sensación espeluznante de un tipo observando en las sombras.
Esta es la belleza y el dominio de Sting como compositor, mostrando su habilidad para entretejer dos temas opuestos, romántico/amenazante, a la perfección en un tema que se convirtió en un clásico de todos los tiempos.
Como nota al margen interesante, el ritmo sencillo poco característico fue motivo de discordia entre Sting y Copeland, y según se dice, llegaron a las golpes de puño por eso.
¿Quién dice que el pop está exento de peleas?
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La oscura y siniestra "King of Pain" demuestra la capacidad del trío para crear un estado de ánimo y una atmósfera a través de arreglos escasos y letras evocadoras.
Con un vaso definitivamente medio lleno de visión de la vida, Sting relata la sensación de estar en una miseria sin fin y reflejando esto en el mundo que lo rodea, con un "pequeño punto negro" tan oscuro como su alma presente incluso en los momentos más soleados.
De nuevo, es un guiño a la capacidad poética de Sting para traer temas sombríos a una canción pop convencional y hacer que la cantes alegremente.
Luego, una mirada seductora a los juegos de poder dentro de una relación ilícita es el tema que nos ocupa en “Wrapped Around Your Finger”.
Con referencias literarias a Homero y Fausto, Sting cuenta la historia de un amante ingenuo e inexperto que se enamora de una mujer casada y, en el transcurso de la relación, cambia la situación.
Una vez más, el arreglo escaso y repetitivo y las florituras y acentos de Copeland agregan un toque de intriga y misterio a la pista.
La construcción musical de la canción hace eco del creciente cambio de poder en la relación que va de tranquila y seductora a fuerte y dominante.
Por último, Sting a menudo se ha inspirado en libros, y "Tea in the Sahara" es otro ejemplo. Usando elementos de “The Sheltering Sky” de Paul Bowles como el principal impulso de la narrativa, Sting cuenta la historia de tres hermanas que convencen a un príncipe árabe para que se una a ellas para tomar el té, solo para quedarse varadas en el proceso.
Preparando la escena con el trabajo mágico del hi-hat de Copeland, los remolinos etéreos de la guitarra de Summers y el inquietante bajo de Sting, "Tea in the Sahara" es una de las canciones de Police más subestimadas y posiblemente una de las mejores en su carrera.
Es malhumorada, misteriosa y, como la última canción del álbum, es el toque final perfecto y el resumen de su carrera.
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El título del álbum y gran parte del material de las canciones se inspiraron en el libro de Arthur Koestler “The Roots of Coincidence” (1972).
En los Grammy de 1984, el álbum fue nominado a un total de cinco premios, incluido Álbum del año, y ganó tres.
En el momento de su lanzamiento y después de su gira, la popularidad de The Police era tan alta que posiblemente eran, según BBC y The Guardian, la "banda más grande del mundo".
Alcanzó el número uno tanto en la lista de álbumes del Reino Unido como en el Billboard 200, vendió más de ocho millones de copias en EE. UU. y veinte millones en todo el mundo.
Además, el álbum fue ampliamente aclamado por la crítica.
Para las ediciones de cassette y CD, se agregó el tema "Murder By Numbers" y, como resultado, se siente como algo fuera de tono, quitando algo de brillo al final original del vinilo, que de otro modo sería prístino.
Lanzado originalmente como lado B de "Every Breath You Take", uno siente que debería haber permanecido allí.
Nosotros nos despediremos con su versión en vivo, que lleva a la canción definitivamente a otro nivel.
Espero que hayan disfrutado del episodio tanto como yo.
Esto fue “Synchronicity”, de The Police, en Punto Muerto.
“Elvis is still in the building, goodnight Montevideo City.”
